Elvis Presley es el tema de moda, ahora gracias a la nueva película sobre su vida, dirigida por el australiano Baz Luhrmann, una cinta que se enfoca, más que en el personaje, en la idea y el mito de Elvis.
En particular, se centra en la historia inspiradora del hombre blanco que lo cambió todo. En contraparte, no se habla de las figuras ni de las músicas negras que forjaron su camino.
De hecho se incluye una parte en la que Elvis reconoce: “El rock'n'roll es básicamente gospel y rhythm and blues”, pero sin citar nombres.
Pero mujeres como Sister Rosetta Tharpe tenían otra versión de la historia: “Estos niños y su rock'n roll es sólo ritmo y blues acelerado. He estado haciendo eso desde siempre”.
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Nacida en Arkansas, en 1915, en una familia de aparceros, Tharpe pasó sus años de formación inmersa en el mundo musical de la Iglesia de Dios en Cristo, una denominación pentecostal con una base congregacional mayoritariamente afroamericana.
Aprendió a tocar la guitarra y a inspirar a la gente a través de la música. Tharpe se ganó rápidamente una reputación musical entre la comunidad religiosa de Chicago y, a los 19 años se mudó a Nueva York, donde sus actuaciones se ampliaron a la esfera popular. A lo largo de su carrera, se movió sin problemas entre el mundo musical sagrado y el secular, y disfrutó de un éxito de alto nivel en ambos.
Las interpretaciones vocales de Tharpe marcan la línea entre el discurso y el canto, claramente inspiradas en toda una vida escuchando a predicadores carismáticos. Es exactamente la coreografía vocal sobre la que se construyó el rock and roll. Sus interpretaciones de guitarra fueron pioneras en las técnicas de distorsión y doblado de cuerdas en instrumentos amplificados, cuyo uso fue defendido en sus primeros años por otra mujer, Memphis Minnie.
En la técnica innovadora de Tharpe, podemos escuchar a los ancestros sónicos directos de los guitarristas canónicos de la historia de la música popular, músicos cuyo linaje se atribuye mucho más comúnmente a guitarristas masculinos como Muddy Waters, Chuck Berry o BB King.
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La marginación de las mujeres de la historia musical no es nueva. Bach, Mozart, Schumann, Mendelssohn y Mahler podrían dar testimonio de ello: Anna Magdalena, Marianne, Clara, Fanny y Alma, las esposas o hermanas de los compositores clásicos masculinos más famosos, quiero decir. En las ciencias, incluso hay un nombre para el fenómeno específico al que han estado sujetas Memphis Minnie y la hermana Rosetta: el "Efecto Matilda".
Descrito por primera vez en 1870 por Matilda Joslyn Gage, describe la tendencia a atribuir únicamente a los colegas masculinos los descubrimientos de las mujeres que trabajaban en proyectos particulares. Ahí está Rosalind Franklin, cuyo trabajo fue fundamental para el descubrimiento de la estructura de doble hélice del ADN, pero cuyo nombre ha sido eclipsado durante mucho tiempo por los de Francis Crick y James Watson.
En la música puede ser más difícil señalar momentos específicos de "descubrimiento", porque identificar una cosa exactamente "nueva" no siempre es tan sencillo. Pero aún así, podríamos hablar de un "Efecto Rosetta", en el que las contribuciones musicales de una mujer son eclipsadas por las de los hombres cercanos.
Es cierto que en la música popular del siglo XX hay algo así como un canon de grandes mujeres. Incluso una interacción superficial con la historia del pop 101 arrojaría nombres como Aretha Franklin, Billie Holiday, Ella Fitzgerald, Dinah Washington o Mahalia Jackson. Pero estas mujeres son recordadas principalmente por sus voces, no por sus innovaciones musicales o técnica instrumental.
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En las grandes narrativas de la historia de la música popular, las mujeres han sido contenidas cuidadosamente en roles particulares y apartadas de otros. Incluso Nina Simone, una pianista de formación clásica, es conocida como la voz de la era de los derechos civiles en Estados Unidos, no como su pianista acompañante.
La historia de las mujeres en la música popular no es tan difícil de rastrear como puede ser para sus contrapartes clásicas, pero la historia (y de hecho la realidad) las encuadra en funciones particulares. La voz icónica y atemporal es una de esas funciones, el innovador musical pionero no lo es.
La película de Luhrmann se enfrenta a la deuda musical que Presley, y por extensión el rock'n'roll, tenían con la cultura musical afroamericana. Lo hace con simpatía por Presley, estableciendo la música gospel negra y la escena musical de Beale Street como sus hogares creativos, mundos sonoros que compartió con la América blanca porque había estado inmerso en ellos desde su infancia.
No está exento de problemas como representación. Presley también se encuentra en una larga y complicada historia de la relación de los artistas blancos con la cultura fuera de la corriente principal blanca. Esto incluye capitalizar estilos musicales con orígenes negros (incluidos Eminem en el rap o Amy Winehouse en el jazz), hacer versiones populares de canciones de artistas negros o simplemente apropiación cultural.
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